ルーツとアイデンティティ

岡山市出身、広島にルーツを持つアーティスト、アートディレクター、デザイナー。

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岡山・瀬戸内に育ち、大阪の外国語大学で学びました。1994年からデンマークとの関係を築き、デンマークと東京の2拠点を往還しながら、25年間制作活動を続けてきました。2020年に広島・坂町へ拠点を移し、現在は瀬戸内海を望む「art seeds studio」を主宰しています。

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これまで倉敷、岡山、香川、大阪、デンマーク、東京で暮らし、20カ国以上を訪れてきました。振り返れば、常に「異なるもののあいだ」に身を置いてきたのだと思います。

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東洋と西洋。
都市と地方。
伝統と現代。
アートとデザイン。
自然と人工物。

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新しい土地へ移り住んだとき、あるいは日常の中で、これまで知らなかった文化や価値観、世界の一端に触れたとき、小さな驚きや違和感を覚えます。それは、言葉になる以前に感覚が捉える、未知のものとの出逢い。

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私にとってアイデンティティとは、固定されたものではありません。異なるものとの接触を通して、少しずつ更新されていくものです。

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言葉になる前の感覚や、そこに生じた小さなズレを捉え、自らの経験や記憶と交差させ、時間の中で咀嚼し、そこから立ち上がるものを色、形、素材へと展開していく。

 

その小さな驚きや気づきから始まるプロセスが、私の表現の原点です。

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岡山時代

幼少期を過ごした岡山時代は、瀬戸内の温暖な自然が日常の風景としてありました。家族には、画家の祖父、仏師だった曾祖父、茶人の祖母。それぞれ異なるかたちで「美」と向き合ってきた人々です。彼らの存在は、今も私の美意識や感性の根にあり、現在も毎日、抹茶を点てています。

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また、スポーツを愛する父の影響もあり、10代ではバドミントンに打ち込み、インターハイにも出場しました。身体を鍛え、反復し、わずかな感覚の差異を捉える。その経験は現在、身体感覚や微細な変化に意識を向け、そこから表現の可能性を探る制作姿勢にもつながっています。

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一方、部活動に明け暮れていた1980年代、私の心をときめかせたのがファッションカルチャー誌『an・an』でした。インターネットのない時代。誌面には、ポップカルチャーや最先端のファッション、海外の情報が凝縮されていました。三宅一生、KENZO、山本耀司、コシノ三姉妹など、日本のデザイナーたちが世界へと羽ばたき、新しいビジュアルを次々と生み出していた時代です。その洗練された世界を夢中になって眺めながら、「いつか海外へ飛び出してみたい」と強く思うようになりました。そんなミーハーで純粋な好奇心が、アート、デザイン、ファッション、そして海外文化への関心へとつながっていきます。​

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デンマークと東京、そして旅

大阪の外国語大学在学中に絵を描き始め、卒業後、デンマークへ渡りアートを学びました。2年目にコペンハーゲンで開催した個展が好評を得たことをきっかけに、アーティストとしての活動が本格的に始まります。

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その後、東京でグラフィックデザインと日本画を学び、アートとデザインの双方から表現を探究するようになりました。デンマークと東京の2拠点で25年間制作を続け、国内外で個展を開催しました。

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また、デンマークの童話作家ハンス・クリスチャン・アンデルセンの「旅することは生きること」という思想に惹かれ、これまで20カ国以上を訪れました。

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私にとって旅は、単なる移動や異文化体験ではありません。自らの視点を更新するためのフィールドワークであり、アートやデザインのリサーチでもあります。

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旅先では、風景、地形、風土、歴史、都市空間、建築、文化、人々の営みを観察し、そこにある価値観や美意識に触れることができます。異なる環境に身を置くことで、自分にとっての「当たり前」を相対化し、世界の見え方を捉え直していくのです。

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旅で得たものは、記憶として保存されるだけではなく、時間をかけて自らの内側で咀嚼し、新しい視点やイメージへと姿を変えていくための創作プロセスでもあるのです。

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花から生命へ

30代後半、心と身体に向き合う時間の中で、内面と表現の関係をあらためて見つめるようになりました。言葉になる以前の感覚や身体の反応に意識を向ける中で、次第に花をテーマとした制作に深く惹かれるようになります。

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私にとって花を描くことは、花をよく観察し、描写することから始まりましたが、その先には、花の生命そのものの躍動や花の持つ世界観を捉えることでもありました。

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咲き、枯れ、種を残し、再び芽吹く。その循環を見つめるうちに、私は植物の生命と自分自身の身体感覚を重ね合わせるようになりました。まるで舞踏家のように、生命体としての動きをあわよくば自分の身体で感じ取り、それをイメージとして定着させたい。そんな欲求が生まれていきました。

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花の生命と同調しながら制作していると、自分の身体を通して生命の揺らぎを捉えられるような感覚になっていきました。

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シリーズのタイトルは「Flora Japonica」としました。そこに描いたのは、幼少の頃から瀬戸内地方の目に焼き付いていた「日本の花々」です。しかし、それらは日本の他の地域にも、ヨーロッパにも、世界のさまざまな場所にも咲いている花々でした。

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私はあえて、ひとつの土地や文化に閉じることなく、世界中で広く親しまれている花々を選びました。それらは「日本の花々」であると同時に、国境を越えてつながる生命の象徴でもありました。

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日本人としての文化的アイデンティティを持ちながらも、それだけでは捉えきれない、より大きな生命の循環の中に自分が存在している、、、。花を通して得たこの感覚が、現在の制作へとつながっています。

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調和

長い間、私の制作のテーマは「調和」でした。

 

幼少期からさまざまな地域で暮らし、異なる文化や言葉、価値観の中で生きる中で、まず必要だったのは「順応」です。新しい環境を理解し、自分をそこに馴染ませていく。その経験を重ねるうちに、「適応すること」の先にあるものを探すようになりました。それは自分自身の感覚を保ちながら、異なるものと関係を築いていく方法です。

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調和とは、違いをなくすことでも、すべてをひとつにすることでもありません。それぞれの固有性を保ちながら、異なるものが共存し、響き合うことです。そこから、いくつもの問いが生まれました。

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何を変え、何を変えないのか。
何を手放し、何を残すのか。
何を次の時代へ受け渡していくのか。

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問いを重ねるうちに、私は「調和」を、異なるもののあいだに静的な均衡をつくることではなく、その関係を通して自分自身も変化していく、能動的なプロセスとして捉えるようになりました。

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順応から調和へ。
そして、調和から変容へ。

ここから、私の制作における「変容」という方向性が生まれていきます。

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海の見えるスタジオ

2020年、広島にアートとデザインのスタジオ「art seeds studio」を設立しました。地域に根ざしたデザインやパッケージ制作、広島市主催「ひろしまカフェ」などの社会的プロジェクトから、東京・大阪・京都でのアート／デザイン活動、海外とのプロジェクトまで、広島を拠点に場所や領域を横断して活動しています。

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京都dddギャラリー「立平面社〜手と脳のあそびの不思議」展、広島三越画廊、大阪アートデアート・ビューでの個展、東京ミッドタウン「こいのぼりプロジェクト」などを通して、アートとデザインの境界を越えた表現を探究してきました。

 

瀬戸内海を望む現在のアトリエは、制作の拠点であると同時に、感覚を更新するフィールドでもあります。

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海や山、移ろう光、風、季節、植物や生きものの気配。素材との触覚的な関わり。日々の環境から受け取ったものを自らの感覚で捉え直し、新たな表現へと展開しています。

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art seeds studioが大切にしているのは、アートとデザインを通して「愛と調和の循環」を生み出すことです。この地域から地球へ。自らの感性と技術を通して受け取ったものを新たな価値へと変換し、社会へ還元する。その循環が、art seeds studioの活動の基盤となっています。

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これまでの活動と代表作

これまでの作品には、自然、旅、文学、文化、そして内面的な変化が、それぞれの時期に異なるかたちで現れています。

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ダイビングを通して出会った海中世界から生まれた「海の幻影（Vision of the Sea）」。

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自由な想像力の飛翔をテーマとした「飛んでみてミテ！シモン（Fly + See Simon!）」。※初代シモン

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人と自然のつながりを見つめた「テン〜イトシクかけがえのないもの（Points）」。

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日本の植物を通して、自然観と美意識を探究した「日本の花々（Flora Japonica）」。

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アンデルセンの物語を死と再生の視点から再解釈した「花とアンデルセン（Flowers and H.C. Andersen）」。

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そして、生命の循環と再生をテーマとする「Reborn」へと展開してきました。その中で、私の制作を象徴する存在のひとつとして生まれたのが、「Reborn! Simon! ― 銀河の子シモン」です。

テーマや媒体は異なっていても、根底には一本の線でつながった制作に対する姿勢があります。世界から受け取った感覚を自らの内側で育て、時間をかけて別のかたちへ変えていく。そして、作品として再び世界へ返していく。それが、私の創作の循環です。

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光のアンサンブル

現在制作している「光のアンサンブル」は、瀬戸内の光を起点に、これまでの経験をいったん解体し、そこから新しい視覚言語を立ち上げていく、現在進行形のシリーズです。

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海と山。
植物と動物。
家々。
人の気配。
光。
色。
生命。

 

繰り返しになりますが、私は目の前の風景をそのまま再現することは目的ではありません。自然の中に存在する光や色、リズム、生命の気配を受け取り、それらを自らの感覚を通して再構成する。それぞれが独立した存在でありながら、絵の中で響き合う。その状態を「アンサンブル」と呼んでいます。

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絵画、陶芸、紙彫刻など異なる媒体を通して、世界を構成するさまざまな要素が互いに作用し、響き合いながら共存する状態を捉えようとしています。

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変容

「調和」を考えることから、私は次第に「変容」という考え方へと向かっていきました。異なるものと関係を結ぶとき、変わるのは周囲だけではありません。自分自身もまた、少しずつ変化していきました。

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生まれた場所、育った環境、学んだ文化、出会った人々や土地。そうした経験は、自分を規定する固定された枠ではなく、その時々の自分を形成する層です。

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そのため大切なのは、それらをひとつのアイデンティティにまとめることではありません。

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何が残り、何が変わるのか。
何を手放し、何を受け継ぐのか。
そこから何が新しく生まれてくるのか。

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昨日までの自分を、今日の自分の視点から見つめ直し、その変化を、色、形、素材、光へと展開していくのです。

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私にとって「変容」とは、過去から別のものになることではありません。これまでの経験を抱えたまま、それを現在の感覚によって更新し、新しいかたちへと変えていくことです。

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リボーン

「変容」が、世界との関係の中で自分自身が変わっていくプロセスだとすれば、「REBORN」は、その変化を受け入れ、新しい「今」として生きることです。

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REBORNとは、過去を否定することではありません。変化し続ける生命の力を肯定することです。「変わる」のではなく、変わりながら生きる。その一日一日が、新しい自分史の始まりなのです。

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この考えを象徴する存在が、「Reborn! Simon! ― 銀河の子シモン」です。

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シモンは、想像の中から生まれた小さな生命体であり、時空を越えて自由に世界を旅する存在です。「毎日生まれ変わる」というテーマと出会うことで「Reborn! Simon!」へと展開し、美しい地球を守る存在として、やがて銀河からやってきた「銀河の子シモン」へと物語を広げていきました。

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シモンにとって「旅」とは、遠くへ移動することだけではありません。見慣れた風景の中に昨日とは違う光、風、音、色を見つけ、自分の視点が少し変わることもまた、ひとつの旅です。

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シモンは、日々の小さな発見や出会いを受け取り、そのたびに新しい自分として生まれ直していきます。銀河から地球へ、そしてさまざまな生命や人々との出会いの中を旅するシモンは、世界との関係の中で姿を変えながら、人間と自然、地球と宇宙、異なる生命をつなぐ存在へと変化していきます。

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その姿は、私自身がこれまで経験してきた「変容」と重なっています。

毎日は同じように繰り返されるように見えても、まったく同じ一日は二度とない。今日という新しい一日を受け取り、そこからまた新しい自分として生きていく。シモンの旅は、そんな「REBORN」という生命観を象徴しています。

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これからのこと

広島・坂町の海が見える丘を拠点に制作する今、私はあらためて、自分が受け継いできたものと、そこから変化してきたものを捉え直しています。それは、単純に家族のルーツがある故郷へ「戻る」ということではありません。同じ風景を見ても、そこに立つ自分は、すでに変わっています。変わったのは場所ではなく、自分自身です。

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家族の記憶。
土地の歴史。
日本で育まれた感覚。
デンマークで得た視点。
そして、これまでの旅と経験。

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それらを、いまの自分の視点から見つめ直しています。私にとってルーツとは、過去に固定された起点ではありません。受け継いだものをそのまま保存するのではなく、自らの経験と感覚を通して再解釈し、次の価値へとつないでいくものです。そのため、広島に拠点を移したことも、過去へ戻ることではなく、新しい地点から自分自身を更新することなのだと思います。

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瀬戸内の海や山、光や風、そこに生きる植物や生きもの。そして、これまで訪れた土地、出会った人々、学んできた文化。それらを受け取り、自分の内側で時間をかけて育て、まだ見えていないイメージへと変えていく。

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「今日は、人生でいちばん新しい日。」

その循環の先に、まだ見たことのない世界へ。

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この感覚を大切にしながら、私はこれからも、今日という現在から新しい表現を立ち上げていきたいと思っています。

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クリエーションとは、世界から受け取ったものを自らの内側で変化させ、まだ存在しない価値や表現として社会へ返していく行為です。

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広島を拠点にアートとデザインを横断しながら実践していることも、その循環の一部。地域から受け取った感覚や経験を、作品やプロジェクトとして社会へ還元する。そして、個人の表現を超えて、新たな関係や価値を生み出していく。その循環の先のまだ見ぬ世界へ。それが、私がクリエーションを続ける理由であり、これからも探究していきたいことです。

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Roots and Identity

An artist, art director, and designer born in Okayama, with family roots in Hiroshima.

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She grew up in Okayama and the Setouchi region, and studied at a university of foreign studies in Osaka. Since 1994, she has maintained a close relationship with Denmark, working between Denmark and Tokyo for 25 years. In 2020, she relocated her base to Saka, Hiroshima, where she now runs art seeds studio, an art and design studio overlooking the Seto Inland Sea.

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She has lived in Kurashiki, Okayama, Kagawa, Osaka, Denmark, and Tokyo, and has traveled to more than 20 countries. Looking back, she has always found herself moving between differences.

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East and West.

Urban and rural.

Tradition and contemporaneity.

Art and design.

Nature and the man-made.

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When she moves to a new place, or encounters an unfamiliar culture, value system, or aspect of the world in everyday life, she first experiences a small sense of surprise or unease. It is an encounter with something unknown that the senses perceive before it becomes language.

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For her, identity is not fixed. It is gradually renewed through contact with what is different. 

She captures sensations before they become words, and the subtle shifts that arise within them, allowing them to intersect with her own experiences and memories. She then lets them unfold over time, transforming what emerges into color, form, and material.

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This process, which begins with small moments of surprise and discovery, lies at the heart of her artistic expression.

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Growing Up in Okayama

She grew up in Okayama, where the warm climate and natural environment of the Setouchi region were simply part of everyday life.

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Her family included a painter grandfather, a great-grandfather who was a Buddhist sculptor, and a grandmother who practiced the tea ceremony. Each engaged deeply with the idea of beauty in their own way. Their presence remains at the root of her aesthetic sensibility, and she still prepares matcha every day.

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Influenced also by her father, who loved sports, she devoted herself to badminton as a teenager and competed at the national high school championships. Training the body, repeating movements, and detecting the slightest differences in physical sensation have continued to inform her approach to making art, in which she remains attentive to bodily perception and subtle shifts.

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At the same time, during the 1980s, when she was immersed in school sports and club activities, the fashion and culture magazine "an・an" became a source of fascination.

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There was no internet then. Its pages condensed pop culture, cutting-edge fashion, and information from abroad. It was a period when Japanese designers such as Issey Miyake, KENZO, Yoji Yamamoto, and the three Koshino sisters were gaining international recognition and producing radically new visual languages.

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She was captivated by these sophisticated images and began to dream of one day going abroad herself. That somewhat unabashed, instinctive curiosity gradually expanded into an interest in art, design, fashion, and cultures beyond Japan.

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Being exposed both to Japan’s traditional sense of beauty and to new sensibilities arriving from urban centers and overseas eventually shaped the perspective she has today: one that moves freely across Japan and Denmark, tradition and contemporaneity, art and design.

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Denmark, Tokyo, and Travel

While studying at a university of foreign studies in Osaka, she began painting. After graduating, she moved to Denmark to study art. During her second year, she held a solo exhibition in Copenhagen. Its positive reception encouraged her to pursue her career as an artist more seriously.

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She later studied graphic design and Japanese painting in Tokyo, developing her practice through both art and design. For 25 years, she continued working between Denmark and Tokyo, exhibiting her work in Japan and internationally.

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She was also drawn to Hans Christian Andersen’s idea that “to travel is to live,” and has since visited more than 20 countries.

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For her, travel is more than movement or exposure to other cultures. It is fieldwork for renewing her perspective, as well as a form of research for both art and design.

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She observes landscapes, histories, cultures, architecture, and the everyday lives of people, encountering the values and aesthetics embedded within them. By placing herself in unfamiliar environments, she has learned to question what she once considered “normal” and to reconsider how she sees the world.

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While traveling, she observes landscapes, topography, local environments, history, urban spaces, architecture, culture, and the ways people live, encountering the values and aesthetics embedded within them. By placing herself in different environments, she gains distance from what she has taken for granted and reconsiders the way she sees the world.

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What she encounters through travel is not simply preserved as memory. Over time, she absorbs and reflects upon these experiences, allowing them to transform into new perspectives and images as part of her creative process.

 

 

From Flowers to Life

In her late thirties, she began to look more deeply at the relationship between her inner life and artistic expression while spending time confronting both body and mind. As she became increasingly attentive to sensations and physical responses that arise before language, she gradually became deeply drawn to flowers as a subject.

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For her, painting flowers began with closely observing and depicting them. But beyond their outward appearance, she sought to capture the vitality of the flowers themselves—their movement, energy, and the world they embody.

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As she observed their cycle of blooming, withering, leaving seeds, and sprouting again, she began to identify the life of plants with her own physical sensations. She developed a desire to somehow feel, through her own body, the movement of a living organism—almost like a dancer—and to translate that sensation into imagery.

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As she created in attunement with the life of flowers, she gradually came to feel that she could perceive the subtle fluctuations of life through her own body.

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She titled the series “Flora Japonica.” The flowers she depicted were the “Japanese flowers” deeply imprinted in her memory from childhood, familiar sights from the Setouchi region. Yet these were also flowers that bloom in other parts of Japan, across Europe, and in many places around the world.

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Rather than confining the work to a particular place or culture, she deliberately chose flowers that are widely cherished around the world. In this sense, they were both “Japanese flowers” and symbols of the interconnectedness of life beyond national borders.

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Although she carries a cultural identity rooted in Japan, she began to sense that she exists within a much larger cycle of life—one that cannot be fully understood through cultural identity alone. This realization, awakened through flowers, continues to inform her artistic practice today.

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Harmony

For many years, “harmony” has been a central theme of her artistic practice.

 

Having lived in different places from an early age and grown up amid different cultures, languages, and values, the first thing she needed to learn was “adaptation.”

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She had to understand each new environment and find a way to become part of it. Through these experiences, however, she gradually came to search for something beyond adaptation: a way of forming relationships with what is different while retaining her own sense of self.

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That became her understanding of harmony.

Harmony does not mean eliminating differences or making everything one. It means allowing distinct identities to coexist and resonate with one another.

 

From this came a series of questions:

What should she change, and what should remain unchanged?

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What should she let go of, and what should she carry forward?

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What should be passed on to the next generation?

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As she continued to return to these questions, she came to understand harmony not as a static balance between differences, but as an active process through which her relationship with what is different transforms her.

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From adaptation to harmony.

And from harmony to transformation.

 

Her practice today exists within this process of transformation.

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A Studio Overlooking the Sea

art seeds studio

In 2020, she established art seeds studio, an art and design studio in Hiroshima.

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From locally rooted design and packaging projects, and social initiatives such as “Hiroshima Café,” commissioned by the City of Hiroshima, to art and design projects in Tokyo, Osaka, and Kyoto and collaborations overseas, she continues to work across places and disciplines from her base in Hiroshima.

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Her activities have included the exhibition 立平面社 — The Wonder of Play Between Hand and Brain at Kyoto ddd Gallery, solo exhibitions at Hiroshima Mitsukoshi and Art de Art View in Osaka, and the Tokyo Midtown Koinobori Project. Through these activities, she has continued to explore forms of expression that move beyond the conventional boundaries between art and design.

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Her current studio, overlooking the Seto Inland Sea, is more than a place where she makes things. It is also a field in which she continually renews her senses.

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The sea and mountains. Changing light. Wind and seasons. The presence of plants and living creatures. The tactile experience of materials.

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She receives these elements from her everyday surroundings, reconsiders them through her own sensibility, and transforms them into new forms of expression.

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At art seeds studio, they value the creation of a “cycle of love and harmony” through art and design.

From this region to the planet: receiving what surrounds them, transforming it through their sensibility and skills into new value, and returning it to society. This cycle forms the foundation of the studio’s activities.

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Selected Works and Artistic Journey

Her works to date have taken different forms across different periods, reflecting her encounters with nature, travel, literature, culture, and inner transformation.

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“Vision of the Sea” emerged from the underwater world she encountered through diving.

 

“Fly + See Simon!” explored the flight of free imagination.

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“Points” examined the connection between human beings and nature.

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“Flora Japonica” explored perceptions of nature and aesthetics through Japanese flora.

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“Flowers and H.C. Andersen” reinterpreted Andersen’s stories through the perspectives of death and rebirth.

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Her practice then evolved toward “Reborn,” a series centered on the cycles of life and renewal. Among her works, “Reborn! Simon! — Simon, Child of the Galaxy” emerged as one of the figures that most strongly embodies her artistic vision.

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Although the themes and media may differ, a continuous thread runs through her practice. She takes in sensations from the world, nurtures them within herself, and allows them, over time, to transform into new forms, returning them to the world once again through her work. This is the cycle of creation at the heart of her practice.

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Ensemble of Light

Her current series, Ensemble of Light, begins with the light of the Setouchi region. It is an ongoing exploration in which she temporarily dismantles the experiences and perceptions she has accumulated and builds a new visual language from them.

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The sea and mountains.

Plants and animals.

Houses.

Human presence.

Light.

Color.

Life.

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The aim is not to reproduce the landscape before her.

Instead, she receives the light, colors, rhythms, and traces of life within nature, and reconstructs them through her own sensibility. Each element retains its own presence, yet resonates with the others within the picture.

 

This is why she calls the series Ensemble.

 

Through painting, ceramics, paper sculpture, and other media, she seeks to capture a state in which the many elements that make up the world interact, resonate, and coexist.

 

 

Transformation

Through reflecting on the idea of “harmony,” she gradually came to embrace the concept of “transformation.” When she forms relationships with things that are different from herself, it is not only the world around her that changes. She, too, has gradually transformed.

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The place where she was born, the environment in which she was raised, the cultures she encountered, and the people and places she met along the way—these experiences are not fixed frameworks that define who she is, but layers that have shaped her at different points in her life.

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What matters, therefore, is not bringing all of these elements together into a single identity.

What remains, and what changes?
What should she let go of, and what should she carry forward?

What new possibilities can emerge from them?

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She looks back at who she was yesterday from the perspective of who she is today, and transforms that change into color, form, material, and light.

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For her, “transformation” does not mean becoming something entirely different from who she was in the past. It means carrying her experiences with her, continually renewing them through her present sensibility, and transforming them into new forms.

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REBORN

If “transformation” is the process through which she changes in relation to the world, “REBORN” is the act of embracing that change and living in the present as a new self.

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REBORN is not about denying the past. It is about affirming the power of life to continually transform. Rather than simply “changing,” it is about living through change. Each day marks the beginning of a new chapter in her life.

This idea is embodied by “Reborn! Simon! — Simon, Child of the Galaxy.”

Simon is a small lifeform born from her imagination, a being who travels freely through the world, transcending time and place. Through his encounter with the idea of “being reborn every day,” the character evolved into the “Reborn! Simon!” series. As a guardian of the beautiful Earth, his story gradually expanded into that of “Simon, Child of the Galaxy,” a being who came from the galaxy.

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For Simon, “travel” does not simply mean moving from one place to another. Discovering a different quality of light, wind, sound, or color within a familiar landscape, and seeing the world from a slightly new perspective, can also be a journey.

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Simon embraces these small discoveries and encounters, and with each one, is born anew as a new self. Traveling from the galaxy to Earth and through encounters with diverse forms of life and people, Simon continually transforms through his relationship with the world, evolving into a being that connects humanity and nature, Earth and the cosmos, and diverse forms of life.

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His journey resonates with her own experience of “transformation” through living between different cultures and places.

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Although each day may appear to repeat itself, no two days are ever exactly the same. To receive each new day as it comes, and to live from it as a new self once again—that is the life philosophy of “REBORN” embodied by Simon’s journey.

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Looking Ahead

Working today from her studio on a hill overlooking the sea in Saka, Hiroshima, she is once again reconsidering what she has inherited and how it has transformed through her own experience. This is not simply a matter of “returning” to the hometown where her family has roots. Even when she looks at the same landscape, she is no longer the same person standing within it. It is not the place that has changed, but she herself.

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The memories of her family.
The history of the land.
The sensibilities nurtured in Japan.
The perspectives she gained in Denmark.
And all the places she has traveled and the experiences she has gathered along the way.

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She looks back at all of these through the perspective of who she is today. For her, roots are not a fixed point anchored in the past. Rather than simply preserving what she has inherited, she reinterprets it through her own experiences and sensibility, carrying it forward into new forms of value. In this sense, moving her base to Hiroshima was not a return to the past, but a way of renewing herself from a new point of departure.

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The sea and mountains of the Setouchi region, its light and wind, and the plants and living creatures that inhabit it. Alongside these are the places she has visited, the people she has encountered, and the cultures she has learned from. She receives all of these, allows them to grow within her over time, and transforms them into images that have yet to emerge.

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“Today is the newest day of her life.”
“Beyond this cycle, toward a world she has never seen before.”

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Holding on to this feeling, she will continue to create new forms of expression from the present moment—from the here and now of each day.

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For her, creation is the act of transforming what she receives from the world within herself, and returning it to society as value and expression that did not exist before.

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Her practice of working across art and design from her base in Hiroshima is also part of this cycle. She receives sensations and experiences from the local environment and returns them to society through artworks and projects. Beyond individual expression, she seeks to create new relationships and new forms of value. Toward the unseen world that lies beyond this cycle. This is why she continues to create, and what she will continue to explore.

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